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大文豪的異次元劇場——恐怖、靈異、幻想、怪談……夏目漱石、谷崎潤一郞、芥川龍之介、太宰治等14位日本教科書、讀書會必收必讀、討論度最高的短篇小說集

為了解決新戲的問題，作者夏目漱石（一八六七～一九一六）,谷崎潤一郎（一八八六～一九六五）,芥川龍之介（一八九二～一九二七）,葉山嘉樹（一八九四～一九四五 這樣論述：

日本教科書、讀書會必收必讀；討論度最高的短篇小說 恐怖，靈異，幻想，怪談…… 夏目漱石、谷崎潤一郎、芥川龍之介、太宰治等14位日本大文豪 最具獨特風格的「異次元」小說集結 茂呂美耶精心編選＋忠於原著韻味的獨特譯筆＋每篇文章詳細的註解＋作品精闢有趣的賞析 ●為何挑選這十四位作家的這十五篇作品？ 基於個人喜好。我自小學起，就很喜歡閱讀科幻、奇幻、魔幻、恐怖、驚悚之類的小說。這次挑選的短篇小說，除了〈口罩〉那篇是例外，均是幻想兼恐怖小說，都是描寫異次元世界的故事。再者，這些作品的爭議點不少，在讀書會中較易引起熱烈討論。 ——茂呂美耶 ●為何採取「不更動原文的標點符號」的直譯方式？ 為了

保留各位大師的筆調與風格、文章節奏和語感，我的譯法是「不更動原文的標點符號」。 我為何要執著於標點符號呢？因為我想讓讀者感覺出，每一位大師的不同筆調與寫作風格。我認為，倘若不忠實還原出原文中的標點符號，讀者很可能無法區分出誰是誰。無論夏目漱石或谷崎潤一郎或芥川龍之介甚或是江戶川亂步，若不忠實地還原出原文中的標點符號，也就是作者的修辭技巧、斷句習慣、文章節奏等，譯文很可能會成為同一旋律、同一曲調，分不清孰是藍調孰是爵士，孰是搖滾孰是鄉村了。 ——茂呂美耶 ／／／ 本書由茂呂美耶精選、翻譯、賞析，14位日本大文豪的作品，包括夏目漱石、谷崎潤一郎、芥川龍之介、葉山嘉樹、泉鏡花、梶井基次郎、佐藤春

夫、坂口安吾、宮澤賢治、小川未明、太宰治、上田秋成、江戶川亂步、菊池寬。這些作品除了基於茂呂美耶個人的喜好，擁有幻想、恐怖氛圍的「異次元世界」獨特故事外，也因為它們都受到日本讀者或專門研究者的大量討論，因此值得被挑選出來，與台灣讀者分享。 這些作品各自具備鮮明特質，以及令人料想未及的元素，完美融合在作品中。透過茂呂美耶精心翻譯解析，我們得以享受閱讀日本文豪上乘作品的愉悅，更重要的是重讀每一篇作品時的深刻心靈觸動。 ●各篇內容特色 ．夏目漱石〈夢十夜〉 日本的初高中國語教科書，經常會出現夏目漱石的作品，而〈夢十夜〉出現的概率最高，因為〈夢十夜〉可以讓學生展開十人十色的論點。 夏目漱石是

橫跨日本明治、大正時代的文豪。他之所以被冠以「國民作家」美譽，因為他以小說這種工具，奠定了現代日本口語文（標準語，白話文）的基礎，確立了言文一體的日本口語文文體，並為日本現代文學開出嶄新的一條路。 夏目漱石的大部分作品，在歷經一百年、一百五十年甚或兩百年之後，依舊能讓後代人的初高中生在課堂中大聲朗讀，而且讀起來不但很順口，更不時會出現讓人想打起拍子的節奏。現代日本小說家所寫的小說文體，都是模仿夏目漱石的文體而成。 國民大作家夏目漱石的〈夢十夜〉，夢的情節像一則則謎語，卻又如偈一般，讓人在閱讀中參透生命之道理。從第一夜，死去的女子要男子等她一百年，男子可能盼得百年好合？到第十夜，賣水果的庄太

郎幫一名女子提送水果，結果一去無返，第七天他卻出現了，他到底經歷了什麼？ 夏目漱石的文章大都淺顯易懂，但「讀得懂文字」並不表示同時也能理解其內容，最顯著的例子正是〈夢十夜〉。夏目漱石於一九○八年七月、八月在《東京朝日新聞》及《大阪朝日新聞》刊載了〈夢十夜〉，此時的夏目漱石四十一歲。〈夢十夜〉是夏目漱石所有作品中最獨具一格的作品，詭異唯美的氛圍，如夢似幻的描寫，令後世的眾多研究者不斷以不同切入點去進行解析，陸續發表了無以數計的論文，卻仍無法得到可以讓所有讀者心服口服的答案。〈夢十夜〉揉合生命各種光怪陸離與寓言的現象，它沒有正確答案，每一篇都是開放式結局，讀者可以基於自己的人生經驗，得出各式各樣

的結論。 ．谷崎潤一郎〈刺青〉 〈刺青〉中的年輕刺青師傅清吉，走火入魔地為他迷戀的女孩，在她的背上刺青一隻蜘蛛，全心全意使她成為絕世美女…… 曾被諾貝爾文學獎提名、日本文學界推崇為經典的唯美派大師谷崎潤一郎，筆下的人物設定經常是怪誕與荒謬，作品常帶有因肉體上的恐懼所滋生的神祕幽玄；因肉體上的殘忍所感受到的那種反作用性的痛切快感，卻如此迷人的小說獨特性。 谷崎潤一郎於明治四十一年（一九○八）二十四歲時，進入東京帝國大學就讀文學。明治四十三年（一九一○）十一月在同人誌《新思潮》發表了成名作〈刺青〉。 他早期的短篇小說，可以說幾乎毫無迴響，但永井荷風於一九一一年十一月，在自己主辦的雜誌《

三田文學》中，發表了一篇評論文章〈谷崎潤一郎氏的作品〉，文章中極力讚賞谷崎潤一郎的作品，稱他是「當代稀有的作家」。正是這篇評論文章讓谷崎潤一郎於一夜之間馳名於藝文界，並奠定了其作家地位。永井荷風在評論文章中詳細解說了谷崎潤一郎所發表的五篇短篇小說，並強調〈刺青〉是其中最優秀的藝術傑作。 在〈刺青〉中，最著名的選詞用字是「女孩」和「女人」的用法。讀者在閱讀時，不妨注意一下，谷崎潤一郎到底如何用「女孩」和「女人」這兩個詞，來暗喻從一個純潔「女孩」，變身為君臨男人世界的「女人」之過程。 ．芥川龍之介〈沼澤〉 「有一根細長莖桿，從我的屍骸口中，滑溜地伸長出來」，此為芥川龍之介〈沼澤〉中所描繪自

殺者的小說之奇幻意象。 芥川龍之介的這篇〈沼澤〉，很短，僅有一千多字。當讀者讀完後，會不會萌生一種似曾相識的感覺？是的，它正是夏目漱石的〈夢十夜〉中的第一夜。事實上，〈夢十夜〉影響了眾多夏目漱石的門生，而芥川龍之介正是經常出入夏目漱石的晚年住居「漱石山房」的門生之一。不過，這篇〈沼澤〉除了有〈夢十夜〉的影子之外，還隱含著更多對另一位詩人的崇拜感情——法國十九世紀最著名的象徵派詩歌先驅波德萊爾。 波德萊爾和夏目漱石的共通點是文章都有韻腳，也都喜愛用疊句。芥川龍之介的這篇〈沼澤〉，融合了波德萊爾和夏目漱石雙方的文字風格，寫得很成功。 ．葉山嘉樹〈水泥桶中的一封信〉 葉山嘉樹的〈水泥桶中的

一封信〉，一九七三年被正式收錄進日本高中國語教科書中。小說道出工人的辛酸與不幸，描寫殞命於水泥中的工人，如此寫實而令人不忍直視，彷如典型的現代恐怖小說。 一九一七年蘇俄革命成功，共產主義文學湧入了日本，普羅文學也隨之崛起。無奈浪漫的大正時代僅維持了十五年，一九二六年步入了恐怖的昭和戰前時代，當局嚴厲彈壓社會主義者與無政府主義者，進而扼殺文人為被壓榨的社會底層體力工人階級所寫的普羅文學，導致日本的普羅文學於一九三○年代一蹶不振。雖然日本的普羅文學壽命很短，卻留下了不少傑作，〈水泥桶中的一封信〉正是初期的代表傑作之一。 葉山嘉樹本人，曾在一九二○年任職名古屋水泥公司，任職期間，遭遇了同事工人在

清掃旋窯時，跌入了集塵機，因全身重度灼傷而身亡的事故。作者為了向公司要求給遺屬更多的慰問金，打算組成工會時，結果被公司解僱。這篇作品正是作者個人生活體驗的反映。 小說發表後，據說當時幾位文藝評論家給予了酷評，奚落作者寫的是「大眾小說」。但這篇「大眾小說」竟然流傳了百年之久，不但成為日本的普羅文學代表作之一，甚至被收錄進國語教科書，讓後代的初高中生，在課堂中各抒己見地進行熱烈討論。 ．泉鏡花〈紫陽花〉 倘若你想在小說中享受一種幽玄意境，那麼，你就去閱讀泉鏡花的作品吧。倘若你想理解何謂日本美學的「物哀」，那麼，你還是去閱讀泉鏡花的作品吧。 只是，泉鏡花的作品都用古文体寫成，外語譯者手中若

沒有已經翻譯成現代日文的版本，很容易因為誤讀而導致誤譯。此外，泉鏡花的文筆風格著重於「陰翳之美」，故事中的真相都隱藏在濛濛細雨或茫茫霧靄中，讓讀者在閱讀後，明明有一種怪異、神祕、飄渺的感覺，卻又說不清何處怪異，哪裡神祕，什麼地方飄渺，只會留下一切都很美的記憶。 日本文豪之一的谷崎潤一郎曾說（泉鏡花作品）：「在這個獨一無二的世界，我們稱之爲『鏡花世界』的世界中，儘管經常涉及到一些異常的東西和事物，但其中卻沒有任何病態的感覺。雖然它有時呈現出神祕、怪異、縹緲的氛圍，但本質上，卻是開朗、絢麗、優美、天真爛漫的。 而且最值得令人稱道的是，那個世界是一個純粹的『日本式』的世界。」 除非你經常接觸傳奇

、怪談、幻想、奇幻之類的影片或讀物，否則很難理解泉鏡花的世界。 泉鏡花的作品都用古文體，但朗誦起來有一種獨特的節奏，習慣了他的文筆之後，會覺得那種節奏很舒服。此外，泉鏡花很喜歡用擬聲詞，這麼短的一篇小說，他竟然用了八個擬聲詞。古色古香的古文體，配上眾多的擬聲詞，確實很獨特。 ．梶井基次郎〈櫻花樹下〉 是什麼光景，讓主角體味到，一種如同愛好挖墓盜屍的變態者那般殘忍的喜悅？是蟻蛉還是人的屍體？梶井基次郎所作的〈櫻花樹下〉，櫻花的絢爛與各種腐敗的屍體對照，並存著感性與知性的敘述，一切源頭卻皆憂鬱使然。 梶井基次郎於三十一歲時便因肺結核而早逝，因此作品不多。生前也沒有受到文壇正眼相看，可以說

是懷才不遇的作家。他在二十五歲那年年底，前往靜岡縣伊豆半島天城山的湯之島溫泉鄉長居。表面上的理由是去進行溫泉療法，實際上是想獲得年長兩歲的川端康成的賞識。這篇〈櫻花樹下〉的背景，正是梶井基次郎在湯之島逗留期間，所觀察到的大自然風景以及當時的感受，日後昇華為創作靈感。 敏銳的感受性、精練的文字、如詩般的句子、無處可修改的高完成度等，都是梶井基次郎的優勢特徵，卻也是他的弱點。生前的梶井基次郎很討厭自己的作品被人當作散文詩，他一直強調自己寫的是小說，他自己是小說家，不是詩人。但當時的文人大多認為他寫的是詩，大力支持並不吝讚賞的粉絲團，更幾乎都是詩人。就連三島由紀夫也評價說：「這人不是能成為小說家的

低劣人種。」 對後代的讀者來說，梶井基次郎到底是小說家，還是詩人，這完全不成問題。總之，他是位很獨特的作家，不但櫻花樹下可以埋有屍體，蟻蛉可以宛如阿芙蘿黛蒂那般地誕生，蟻蛉的翅膀甚至可以幻化為在空中飛翔的剃刀刀，隨時都有可能奪去作者的性命。難怪後代某些文藝評論家，會給梶井基次郎冠上「幻視者」的稱呼。 ．佐藤春夫〈紫陽花〉 有一個女人和一個男人訴說，她不明白突然死去丈夫的心意，究竟是否同意她與他的關係。小說最終，男女兩人在佛壇房間講話，她的兒子卻直愣愣盯著空曠房間角落…… 佐藤春夫的〈紫陽花〉，是一篇僅有一千四百餘字的小說，卻堪稱靈異小說中的翹楚，令人回味無窮。之所以冠上「靈異小說中的

翹楚」，正因為文中完全沒有出現任何詭異的描述，也沒有出現任何與幽靈有關的字詞，但它就是一篇百分之百的靈異小說。一讀再讀之後，你會發現，不知何時，你的手臂已經起了一層雞皮疙瘩。 ．坂口安吾〈盛開的櫻花林下〉 為什麼櫻花樹下沒有人影時很恐怖？為什麼連山賊都會害怕盛開的櫻花樹？盛開的櫻花林下到底藏著什麼祕密？ 這篇〈盛開的櫻花林下〉中的「櫻花林」，原風景是曾經火化並埋葬了多數戰爭犧牲者遺體的東京上野公園。在櫻花盛開的季節，櫻林中若沒有鋪在地面的緋紅地氈，沒有可讓遊客休息解渴的茶棚，甚至連一名賞花者的人影都沒有，周遭只有呼呼作響的寒風，與無以數計的燒焦屍體，以及深沉透徹的靜寂……那種光景，確實

極為駭人。 文中提及的「三月十日的第一次大空襲」，指的是第二次世界大戰中，自一九四四年十一月二十四日起，至翌年八月十五日為止，美國陸軍航空軍對日本東京所進行的一系列大規模空襲作戰，轟炸次數總計一○六次。規模最大的是一九四五年三月十日和五月二十五日的大量燒夷彈轟炸行動。前者的死亡人數高達十萬餘，負傷十一萬餘，上百萬戶人家流離失所﹔後者的死亡人數約七千。坂口安吾目睹的是三月十日那次，那一年，他三十八歲。兩年後，他發表了〈盛開的櫻花林下〉。 假如坂口安吾沒有在晚年寫了〈櫻花盛開的季節〉，一般讀者大概會將〈盛開的櫻花林下〉視為單純的幻想小說，主題是美醜與孤獨的本質。但是，當讀者於事後得知，原來上野

公園曾經成為戰爭犧牲者遺體的臨時火葬場，並前後埋葬了八千四百多具遺體（日後有改葬），然後大約一個月後，自江戶時代起便是賞櫻名所的那片櫻花林，竟然一如既往地盛開著櫻花，只是那時候沒有人去賞櫻，櫻林中只有孤寂的櫻花，與沉默不語的死者靈魂這事後，讀者到底會以何種視點去重新解讀這篇小說呢？ ．宮澤賢治〈水仙月四日〉 水仙月四日這天，雪婆婆的大雪瘋狂吹襲，吹倒了雪地中一個小男孩。雪童子見狀，與雪狼們欲救他，小男孩後來如何了呢？兒童文學巨匠宮澤賢治的〈水仙月四日〉，將雪地中的風暴、白色壯麗、人性等，栩栩如生地描繪，講述一則救與被救的動人故事。 宮澤賢治在日本被歸類為童話作家，但一般兒童恐怕無法理解

他的作品，即便是受過高等教育的成人，也不見得讀得懂他的作品。這篇〈水仙月四日〉難度相當高，可能因為難度太高，據說在數種英譯版中，有些出版社或譯者乾脆刪掉原文中主角用來呼喚星系的歌詞，將故事重點放在白色雪景與紅色毯子上，徹底刪去了與宇宙星系以及希臘神話有關的所有句子，讓故事變成單純只在人間進行並完結的童話。 這篇〈水仙月的四日〉，撇開星系和神話隱喻，光是色彩描寫，以及動與靜的畫面，就堪稱一流了。白色雪景、紅色毯子、金黃色的球狀槲寄生、群青色的天空、啤酒顏色的陽光、褐色的扁柏、黃玫瑰般的亮光、金黃色的火焰、桃色陽光、雪狼口中的藍色火焰……這次第，怎一個美字了得！ ．小川未明〈紅蠟燭與人魚〉

人類的世界真的如海中人魚所幻想的那麼美好嗎？她爬到岸上生下的女兒，即使被一對原本好心的賣蠟燭老夫婦領養，但人心善變，人魚被送走後的日子，小川未明所描繪的海象令人心生恐懼，充滿了不可預測的詭譎氛圍。 擁有「童話之神」、「日本的安徒生」等美譽日本兒童文學之父小川未明，留下一千兩百多篇作品，大部分是童話作品，而其中最著名的作品正是〈紅蠟燭與人魚〉。只要是在二戰後的日本，上過小學或初中的人，大抵都曾在國語教科書中讀過他的作品。 小川未明曾經受到歡迎敬重，但也曾經遭到批判而落莫。二戰後的日本現代兒童文學，傾向敘述正面性的積極行動故事，小川未明的作品他的文章詞句，類似一種咒術或咒文，而且故事中的草木

不但會枯萎，城鎮也會毀滅，甚至連人物都會死去……，在當時遭受到許多的批判，以致於晚年過得並不好。然而二○一○年之後，時代似乎又看上了小川未明，各式各樣的小川未明作品選集，陸續出現在書店門市的推薦平擺桌上。文章風格類似咒術及咒文的兒童文學復活了，陰鬱、寂寞、孤獨的「小川未明世界觀」重生了。 ．太宰治〈魚服記〉＆關於〈魚服記〉 昭和八年（一九三三）三月，二十四歲的太宰治在同人雜誌《海豹》三月號上發表了〈魚服記〉。根據太宰治本人所說，這是「在東京首次發表的作品」，也是「成為作家生涯的出發點」。雖是一篇僅有十八張兩百字稿紙的作品，但具有濃厚的民俗色彩和寓言性、神話性，會讓人讀完一次後滿腦子都是問

號，於是情不自禁一讀再讀，試圖對故事中的每個情節作出合理解釋。 〈魚服記〉在同人界受到好評，成為熱門話題，以此為契機，太宰治獲得了在日本文壇出道的立足點。這一年，也是太宰治開始使用「太宰治」這個筆名的第一年。可以說，是「作家太宰治」誕生之年，而〈魚服記〉正是「作家太宰治」的催生劑。 這篇小說將近親亂倫這種悲慘故事，以象徵主義手法重新組成為一篇童話風格的變身故事。太宰治以自己的故鄉青森縣津輕的大自然景色，以及傳說為故事背景，再以寓言形式，描寫出野生少女素娃的天真無邪、純淨的憧憬、女人的覺醒、內心的孤獨、深濃的絕望，以及最後的變身。 太宰治用他獨特的構思與寫作風格，精彩地將民間故事昇華為現代

文學，難怪會在同人界中成為熱門話題。簡單說來，〈魚服記〉除了描繪出少女素娃的覺醒和絕望，也刻畫出某些被村落共同體所排除，生活在正常社會秩序圈外的孤立場所，與嚴苛大自然環境搏鬥的少數族群的悲劇。 ．上田秋成〈夢應鯉魚〉 怪談小說大師上田秋成的〈夢應鯉魚〉，故事述及擅長畫魚的畫家興義，有一天在作畫時睡意襲來，夢到自己進入湖中，和大大小小的魚兒一起玩耍，他醒來後立即畫出夢中景象並貼在牆上，題款為「夢應鯉魚」。興義後來生了大病往生，但三日後卻死而復生，而他復活的過程暨不可思議且讓人稱奇…… 〈夢應鯉魚〉是上田秋成《雨月物語》九篇志怪小說中的一篇。江戶文學志怪小說代表中以《雨月物語》最負盛名，一

般日本私立高中入學考試時，最常出現的江戶時代作家及其作品，頂多只有七八位，上田秋成的《雨月物語》正是其中之一。 《雨月物語》故事多改編自中國的白話小說，一般認為〈夢應鯉魚〉的原型，是中國明末清初作家馮夢龍的白話小說集《醒世恆言》中的〈薛錄事魚服證仙〉，以及明代文言筆記小說《古今說海》中的〈魚服記〉。上田秋成在改編故事時，加上了兩種原型中沒有的故事結構；一是放生功德所帶來的異類報恩結構，另一是出鬼入神之技所帶來的重生現象結構。 《雨月物語》之所以能成為日本的不朽文學經典，主要原因是上田秋成既優美又幽玄的文筆。據說芥川龍之介寫小說時，參考了《雨月物語》中的故事開場寫法。而二戰期間三島由紀夫更隨

身攜帶著收錄了《雨月物語》的上田秋成全集。他在日記中記載，不僅將其當作「座右書」，也當作「步右書」，尤其特別喜歡《雨月物語》中的〈白峰〉和〈夢應鯉魚〉。 ．江戶川亂步〈帶著貼畫旅行的男人〉 彷彿如夢令般，主角在海邊看過海市蜃樓後，在唯二人搭乘的火車上，遇見一個白皙卻布滿皺紋臉龐的布貼畫畫家，乍看似四十歲，但再仔細看又如六十歲，像個西洋魔術師教人不可思議。而畫家隨身攜帶的布貼畫，究竟藏有什麼魅惑的驚人祕密？   江戶川亂步的這篇〈帶著貼畫旅行的男人〉可以說是神作。這篇小說的核心是視覺。海市蜃樓、畫框中的畫面、雙筒望遠鏡、紅磚塔淺草十二階塔頂的眺望、拉洋片攤子的鏡頭、車廂車窗……每一樣小道具

，都是會讓我們的視覺產生錯覺的裝置。 小說中所描寫的淺草景致，是明治、大正時代的淺草全盛期的繁華景象。關東大地震時，江戶川亂步不在東京，三年後他回到東京時，淺草十二階已經沒有了。這或許也是促使江戶川亂步寫這篇小說的動機之一。 ．菊池寬〈口罩〉 「不懼怕疾病，不懼怕傳染的危險，其實是一種野蠻人的勇氣。而懼怕疾病並絕對防止傳染的危險，才是文明人的勇氣。當沒有人再戴口罩時，唯獨自己戴著口罩，確實很怪。不過，我認為此舉並非基於膽怯，而是基於文明人的勇氣。」   菊池寬的〈口罩〉發表於一九二○年七月，距今已有百餘年。當時的日本，正處於死亡率相當高的俗稱「西班牙流感」疫情之下。 因為是菊池寬的親

身體驗，文中詳細記載了當時日本人對疫情的防疫態度和看法。對照百年後的二○二二年的當下，現代日本人針對新型冠狀病毒肺炎（COVID-19）所做的防疫措施，以及疫情之下的世態民情，可以說幾乎一成不變，非常有趣。 〈口罩〉寫於1920年的西班牙流感時，作者菊池寬害怕心臟衰弱的自己得流感死亡，於是寫出戴口罩這個故事。對照2022年大疫之年，〈口罩〉讀來令人心有戚戚焉。 ／／／ 茂呂美耶猶如文學的解剖者，縝密挑揀出文豪作品情節中的細節特色，於每篇末的「作品解說」歸納梳理該篇的創作背景、核心要點，讓我們有如推理般再深入重讀一遍經典精隨，超展開的延伸閱讀，有別於一般的經典文學譯本，值得收藏。  

新戲進入發燒排行的影片

劇本敘事中的家・國再造： 以李國修、紀蔚然、吳念真劇作為核心

為了解決新戲的問題，作者許正平 這樣論述：

八〇年代的小劇場運動是臺灣現代戲劇與劇場發展上的分水嶺。在美學上，小劇場運動逐漸揚棄了盤桓臺灣戲劇創作年深日久的寫實主義，從實驗劇場開始，而前衛劇場，在八〇年代後半發展出反敘事、反文學性、反鏡框舞臺、去中心意義、解構的後現代劇場風格。在意識形態上，則從反共抗俄、大中國主義等由統治官方宰制的集體大敘述中解放出來，並與解嚴後勃發的本土主體意識呼應，勇於涉入過往被視為言論禁忌的種種議題，也各式的社會運動或政治場合現身，使劇場從過去的政策宣傳工具，一轉而為激進的社會抗爭利器。美學與政治的雙重轉向，造成的影響之一是，導演劇場的興起，劇作家與劇本的影響力式微，甚至遭到劇場排除。九〇年代後，雖純粹能以劇作

家身份持續寫作，並獲得演出製作的創作者，紀蔚然是其中之少數，但多數劇場創作者則同時擁有包括劇作家、導演、演員等複合式的創作主體，如李國修、王友輝、汪其楣等，而吳念真則是從電影的編導轉進劇場創作領域，足見此時期劇作家跨域之多元。本文試圖從美學與政治的二元對立分法中另闢蹊徑，觀察前衛劇場潮流與解嚴之後，實際投入劇本寫作並演出的李國修、紀蔚然、吳念真等三位劇作家作品，他們在導演做為創作主體的當代劇場裡發展出什麼樣的劇本敘述策略，衍異出新的美學形式？其中，編導演三位一體的李國修，以拼貼與後設的結構，打散線性敘事的封閉性與整體性，探問個體記憶的虛實真假；紀蔚然則透過「反傳統的敘事模式」，突出說話者的欲望

和主體，質疑寫實、客觀敘事的可靠性；從電影轉進劇場的吳念真則結合了通俗劇敘事與臺灣新電影的新寫實主義美學，將可能是規訓式的集體大敘述轉化成抒情的個人微型敘述。同時，也援引解嚴後臺灣文學學界的後殖民論述，及另外演繹出的本土後遺民寫作研究，討論三位劇作家在面對本土主體意識興起的新政治敘述時各自殊異的創作關懷。身為外省第二代的李國修面對主體意識的轉換，油然而生花果飄零的感嘆與焦慮，這樣的困境或許不完全來自於自己的不認同，而是本土情境本身所形成的排他性，他是一個被排擠出去的他者，於是，他只能後設式的透過自己的創作打造一個只有不在了的父親（和自己）存在其中的理想（家）國。對於本土主流論述對於家國的重塑，

紀蔚然則採取激進亦虛無的解構策略，集體的大敘述實則只是集體的妄想，明顯呼應了後殖民的多元差異觀點。吳念真則往往採取女性視角來觀照男性的敘述霸權，構成了家與國雙重壓迫下幽微的女性史詩。在美學與政治的雙線對照下，勾勒出劇本創作在集體敘述瓦解之後，如何重塑自身的敘述策略，又如何回應現實的多元發展。

美麗的世界，你在哪裡

為了解決新戲的問題，作者SallyRooney 這樣論述：

　　人生似乎停滯了，看不到未來。 　　如果失敗是普遍存在的。人生究竟有什麼意義？ 　　如果自己就是無法讓自己幸福的那個人，要如何想像一個美麗的世界？   　　在焦慮邊緣，重新找回對生活的渴望。   　　因為有了「共鳴」，讓我們渴望接近彼此。 　　這就是我的世界，我唯一的人生。   　　2022年《時代雜誌》全球百大影響力人物── 　　莎莉‧魯尼繼《正常人》之後最新長篇小說     　　「莎莉‧魯尼迄今最好的作品。」──《紐約時報》    　　★首度空降《紐約時報》暢銷榜冠軍，橫掃全球暢銷書榜 　　★2021年Goodreads讀者

票選年度最佳小說 　　★臺大外文系教授曾麗玲專文推薦 　　★特別收錄──莎莉‧魯尼專訪   　　小說家艾莉絲透過交友軟體認識了倉庫作業員菲力克斯，便邀請對方和她一起去羅馬旅行。她最好的朋友愛琳是都柏林當地的文學雜誌編輯，在走出情傷之際，開始和青梅竹馬賽蒙約會。   　　艾莉絲、菲力克斯、愛琳和賽蒙雖然還年輕，但現實窮追不捨。他們渴望對方，卻又傷害彼此。他們為愛與性、為友誼和他們生活的這個世界煩惱。他們是否站在一片黑暗前最後一間還亮著燈的房間裡，即將見證重大的轉變？他們是否還相信存在一個美麗的世界？   　　「什麼事都能惹我哭，」其實，我想我很不快樂。   　

　這世界上有任何人為任何事情仰賴我嗎？ 　　原來我的寂寞和不快樂，一點也不獨特。   　　全書從艾莉絲決定搬離都柏林開始寫起。離開朋友與家人，搬到濱海小村，究竟是不是「正確」的決定？作為大學時代起就認識的好友，現在必須經過電子郵件通信，來維持兩人的知性友誼。何時見面，如何再次見面，隨著小說情節開展，有了不成比例的重要性，更牽動書中四名即將踏入三十歲的年輕人的命運，要在哪裡生活，要過哪一種生活？這本小說關於選擇，如何打造自己的生活，乃是他們之間的愛和友誼以及自我意識所產生的後果。   　　「我認為愛情是我小說的主要動力。從愛情的觀點出發，仍然可以完成有趣的作品。愛和友誼，這是

值得傾盡一生去探索的議題。」──莎莉‧魯尼   　　書名出自十八世紀德國詩人席勒的詩句，其中「你在哪裡」，回應拉丁詩「ubi sunt」──意即「何處是」的傳統。「美麗的世界」同時隱含著對當前世界及理想的幻滅，從政治局勢到氣候變遷，從經濟到文明和語言的全面崩潰，不管主角們智識多高，都必須忍受一切，對於世事變化根本無能為力，甚至覺得自己就是那個讓自己無法幸福的人。倘若如此，人為什麼要工作？性、愛和友誼有何意義？今天人們還能相信存在一個美麗的世界嗎？   　　「我不知道。」 　　賦予意義的工作尚待完成。新的事情會持續發生。   　　被譽為千禧世代的代言人，莎莉‧魯尼從不

諱言她就是寫自己所知道的世界，以真實的日常生活為基礎，寫出她對世界的種種感想。她精準捕捉年輕世代的細膩敏感，和隱藏在生活表面之下更為深刻的事物，比如親密關係。在《正常人》掀起全球「魯尼熱」之後，這本新書出版後再度席捲文壇壓倒性好評。   　　人生最簡單的方式，就是什麼也不做，什麼也不說，誰也不愛。 　　在真實生活裡，除了自己，你可曾關懷過任何人？ 　　什麼是你賴以維生的工作，是你唯一想做的事。跟誰在一起使你快樂？ 　　 　　說不定我們生來就是要為我們所認識的人而愛，而擔憂， 　　就算有更重要的事情該去做，也還是繼續愛，繼續擔憂。   　　否則，還有什麼值得我

們為之而活呢？   獲獎紀錄   　　●2022年達爾基文學獎Dalkey Literary Awards 　　●2021年愛爾蘭年度圖書獎 　　●2021年Goodreads年度讀者票選最佳小說 　　●《衛報》年度選書 　　●《時代雜誌》年度選書 　　●《華盛頓郵報》年度選書 　　●《紐約時報》年度選書 　　●《今日美國》年度選書 　　●《君子雜誌》年度選書 　　●《金融時報》年度選書 　　●《柯克斯評論》年度選書 　　●《愛爾蘭時報》年度選書 　　●《泰晤士報》年度選書 　　●BUZZFEED年度選書 　　　 國際名人

推薦   　　安‧瑞特／布克獎得主 　　布蘭登‧泰勒（Brandon Taylor）／美國作家 　　艾莉芙‧巴圖曼（Elif Batuman）／美國作家 　　席拉‧赫迪（Sheila Heti）／加拿大作家 　　奧莉維亞‧萊恩／英國作家 　　莉娜‧丹恩（Lena Dunham）／美國演員 　　瑪姬‧蘿潔絲（Maggie Rogers）／美國創作歌手 　　露西‧達庫斯（Lucy Dacus）／美國創作歌手 　　莎拉‧潔西卡‧派克／美國演員   國際好評 　 　　●「莎莉‧魯尼截至目前最具企圖心的作品。透過這部愛爾蘭當代小說，親身體會她的成就，

是極令人興奮的經驗。她對角色刻劃觀察入微，富同理心，而對文氣、語言和豐富理念的掌握游刃有餘。同時，她也透過意識型態墮落、體系崩壞與溝通不良的人類世，交織成愛、性與友誼的故事。」──達爾基文學獎評審   　　●「魯尼對於性愛的描寫明快且直接。她的敘事風格讓我想起安德魯‧海格與裘安娜‧霍格，這兩位出色的視覺詩人在電影中所表現出來的社交焦慮與沉默。魯尼的對話通常很完美……《美麗的世界，你在哪裡》是她迄今最好的作品。有趣，聰慧，充滿性與愛，以及竭盡所能尋求相互連結的人。」──布蘭登‧泰勒，《紐約時報》書評   　　●「我今年所讀過最精彩的小說。莎莉‧魯尼瞭解愛的複雜，愛的極度親密，以及

權力在人與人之間的轉移。她講述故事的方法既新穎又古老。這部作品出色、簡練，令人著迷，以如此生動鮮活的方式，讓我回到自己的人生早期，栩栩如生回憶起那段時期（初戀），那些我以為自己早已遺忘的感覺，藉由這本書重生了。」──席拉‧赫迪（Sheila Heti），加拿大作家   　　●「精彩絕技。對話流暢生動，燦爛文采躍然書頁。」──安‧瑞特，布克獎得主，《聚會》作者   　　●「這本書讓我數度感動落淚……魯尼最好的一部作品。」──詹姆斯‧馬利奧特，《泰晤士報》   　　●「這部作品證明魯尼身為作家的罕見知性天賦，她不僅引領讀者歷經漫長的沉默省思，也為他們帶來許多閱讀樂趣。我們感

覺到末日焦慮並非我們自己獨有……這部洋溢感性與理念的小說企圖宏大，魯尼探討最新的全球關注議題，但卻諷刺地回歸最古老的小說形式，也就是書信體，來述說她的故事……魯尼的小說，和所有偉大的虛構作品一樣，都有開放的結局。」──莫琳‧柯立根，美國全國公共廣播電臺   　　●「比《正常人》和《聊天紀錄》更動人……《美麗的世界，你在哪裡》仍然充滿辯證，馬克思主義與政治辯論。但這也是一封情書，寫給藝術形式的小說，進一步延伸到人與人彼此關聯的種種方式……《美麗的世界，你在哪裡》是寫給我們每一個人，寫給我們所愛的生活種種的一封情書。」──康斯坦絲‧葛拉帝，Vox評論網   　　●「魯尼解析了現代小

說與現代生活的問題與希望──讓我們注意到她分析親密關係的獨特風格……魯尼因而成為成熟的藝術家，準備好捍衛她自己寫作方法的有效與原創性……《美麗的世界，你在哪裡》結合了魯尼的引人注目風格──例如她對筆下角色的同情，她簡約的文字──與她的日益成熟。」──《君子雜誌》   　　●「這部小說刻畫持久關係的力量與困難……《美麗的世界，你在哪裡》和魯尼的前幾部小說一樣，帶來極大的閱讀樂趣，而在艾莉絲與愛琳的往來郵件中，更可以讀到身為優異散文家的她所帶來的額外樂趣……這部小說探討諸如『應該分手還是在一起』這類微不足道小事，卻是極有分量的作品。」──莫莉‧費雪，《The Cut》雜誌   　　

●「魯尼截至目前最強的作品……書中的真誠坦率感人至深，靜靜煥發文采。」──黛安娜‧伊凡斯，《金融時報》   　　●「出色的作品：扣人心弦，情欲瀰漫，難以忍受的哀傷。」──蘇珊娜‧葛德斯堡，《電訊報》   　　●「連續閱讀魯尼的小說，彷彿看著她筆下的角色長大成熟，踏進人際關係複雜的生活。魯尼最特別的技巧就是讓讀者與角色、情節平視，宛如踏入某個房間一般，悄悄踏進她故事的世界裡……她以她知名的素樸文句吸引讀者，創造一種彷彿站在角色肩頭窺探的親密感。」──李京美，《波士頓環球報》   　　●「不得不承認，再次陷入魯尼這友誼──愛戀糾葛之中，那凝望的目光，彼此傷害的口角，甚至是性

的部分，讀來都讓人大為滿足，但性愛場面並不是閱讀《美麗的世界，你在哪裡》的原因……是因為魯尼的其他篇章──艾莉絲與愛琳深入討論的信件往來──如此具有實驗性，如此刺激。」──亞莉克希斯‧伯爾林，《舊金山紀事報》   　　●「閱讀魯尼小說的時候，如果沒能注意到這個國家，那麼我們也就無法理解她作品的豐厚……書中的愛爾蘭色彩就像作品裡的職業猜忌或性愛緊張一樣：壓抑太久，然後瞬間迸發……魯尼的小說發生在這個特別的地方。如果你給這個地方一個名字，那麼她對關係的探討就能讓你更有收穫。這地方的名字是愛爾蘭：莎莉‧魯尼是愛爾蘭人。」──席安‧毆尼爾，《高客網》（Gawker） 　　 　　●「莎莉

‧魯尼迄今和個人經驗最相關的作品……對和我同樣已屆三十歲的人來說，《美麗的世界，你在哪裡》能喚起魯尼前幾本作品所未能喚起的共鳴。但踏入三十歲並非讀這本小說的先決條件……艾莉絲和愛琳敘述中的沉重與急迫，是過去一年半以來，我們每一個人都感受到的沉重與急迫。」──伊莎貝爾‧瓊斯，《時尚泉雜誌》（Instyle）   　　●「刻劃得極好的渴望。三部小說以來，莎莉‧魯尼依舊擅長：誘惑我們一再踏進俊美（而且口語表達能力好得超乎常人）愛爾蘭年輕人的高速熱情之中……每一個句子都像手寫的一筆一畫堆疊起來，分開來看，任何一條線都顯得平凡無奇。但組合在一起，這些原本老套的派對、搭公車、眼神、肢體，全都變成完

整的場景，帶來宛如故事書的效果。」──黛麗亞‧蔡，《浮華世界》   　　●「莎莉‧魯尼的作品讀來都非常愉快……《美麗的世界，你在哪裡》有足夠的創新──戲謔的風格，更加知性的新模式，不同視角的轉換──證明她在嘗試新的寫作途徑。」──凱特‧羅菲，《華爾街日報》   　　●「莎莉‧魯尼繼《正常人》與《聊天紀錄》之後的第三部重磅小說，是描述性與友誼的卓越作品……魯尼善於在平凡與緊張的日常中找出深刻的意義，也擅長在最細微的互動之中不斷蓄積能量。閱讀這部作品宛如閱讀驚悚小說，一頁一頁飛快往下翻，想知道這些年輕人能不能找出生存下去的方法與理由。」──芭芭拉‧范‧登堡，《今日美國》  

　　●「我樂於透過角色閱讀魯尼的任何乍現靈光……花許多時間思索文明如何崩潰，地球如何著火，你便會明白喜悅如此罕見，而性衝動是其中之一。若非明白歡愉和感官的本質價值，魯尼就無法用如此細膩的筆法描繪性愛。」──布萊思‧羅伯森，《喧囂雜誌》（Bustle）   　　●「從很多方面來說，這部融合哲學與浪漫，探討人如何去愛，又如何傷害彼此的悲喜交集故事，是我們期待魯尼身處過去幾年的政治環境會書寫的類型。但正因為這部小說如此具有個人特色，所以魯尼保留了作品中的強大力量……這部小說極為出色，且感情豐沛，讓人欲罷不能。」──《科克斯書評》（星級評論）   　　●「動人的出色故事……魯尼描寫艾

莉絲與愛琳最親密的時刻，和角色之間保持距離，創造出一種隱密感。對她的寫作風格來說，這是個大膽的改變，文中一出現這樣的片段，總讓人驚豔。一如既往，魯尼不斷挑戰，不斷激發創意。」──《出版人週刊》(星級評論)   　　●「魯尼以她註冊商標似的坦率機鋒刻劃她小說主角生活裡的對話與行為：他們的迷人、親密，以及他們和自己，和彼此，和愛、性與友誼的搏鬥。繼廣受歡迎且得獎無數的《正常人》之後，魯尼這部新小說同樣令人興奮期待。」──《書單》(星級評論)   　　●「深刻卻簡練地描繪青春、性與友誼的種種愚行。」──亞當‧普萊斯，《百萬富翁雜誌》   　　●「魯尼不願被稱為千禧世代的主要代

言人，但她的新小說確實鞏固了她的代言人地位。」──《哈潑雜誌》   　　●「魯尼以格外清晰、燦爛與細膩的小說刻畫了在破碎世界中長大成人的故事……魯尼的文字、對情緒的敏銳感知與場景節奏，讓這些關係如此引人入勝……這是我近年來所讀過，最有自信、最詩意，也最具水準的一本作品。」──巴拉爾‧庫賴希，《華盛頓郵報》   　　●「精彩絕倫……魯尼是最優異的年輕小說家──也已躋身最頂尖小說家之林──這是我幾年來讀過最好的作品。」──奧莉薇亞‧萊恩，《新政治家》   　　●「以極其卓越技巧寫就，煥發無比精彩才華的小說。」──《愛爾蘭時報》   　　●「她的新小說將寫作技巧展現得

淋漓盡致。」──《經濟學人》

「自我」的迷惘與回歸： 試論徐浩峰小說《柳白猿別傳》與電影《箭士柳白猿》

為了解決新戲的問題，作者陳忠昀 這樣論述：

本篇論文主要透過徐浩峰的小說《柳白猿別傳》與翻拍電影《箭士柳白猿》做為案例進行分析，希望能夠展現徐浩峰不同的作品有個別的特殊性。本篇論文主要透過小說與電影的「劇情走向與主要人物」、「小說到電影的轉變與繼承」以及「作品的現實意義」三個部分中，分析徐皓峰在小說《柳白猿別傳》與電影《箭士柳白猿》中的劇情編排、人物和畫面設計、象徵，甚至作者本人從小說到翻拍電影的思想轉變等方面，以探討徐浩峰如何將對於現實關懷。在徐浩峰對於現實的關懷中，不論是對「國族」的思考，或者常態生活問題的思索與參考建議，透過前述這些元素進行展現。單就小說《柳白猿別傳》與電影《箭士柳白猿》本身而言，徐浩峰透過故事人物的「崩潰」、「

迷惘」與「回歸」，為讀者與觀眾展現了他對於當今中國在現代化與當代潮流中迷失的焦慮；也為觀眾和讀者提供了在日常生活中，如果為眼前與外在事物所擾，透過面相自我地反思，以釐清自身或遭遇事物的本質，從而更好地面對現況。小說《柳白猿別傳》與電影《箭士柳白猿》中這任何劇情編排、人物和畫面設計、象徵，以及徐浩峰本人的思考，都是為了服務於徐浩峰在這部作品中的主題與思索。而透過編排、設計、象徵以及作者自身的思索服務於作品主題的這一個創作理念，可以說幾乎貫徹到徐浩峰的多數武俠作品中，而「每部作品的主題並不相同，不論主題或細節也都有其獨特性」是筆者希望透過本篇論文進行呈現的。另外，我們也可以從小說《柳白猿別傳》與電

影《箭士柳白猿》的分析與整理中發現：除了先行研究時常提到徐浩峰對於武俠小說的「寫實化」、「純文學化」或「藝術電影化」等等貢獻之外，另一個重要的貢獻在於「寓言化」。「寓言化」所指的就是將包含前面所談到的主題在內的一些議題融入到作品當中，以期望讀者或觀眾能在娛樂之餘能有所啟發。換言之，徐浩峰正試圖在「武俠」類型的小說和電影中，試著加入「娛樂」之外的元素與價值，如果能發展得更加成熟，這也將會是對於當今「武俠」類型的小說和電影瓶頸的一種突破。